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martes, 28 de febrero de 2017
Anthology 1987, el sintetizador virtual Roland D50 de nombre cercenado
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lunes, 27 de febrero de 2017
Chopin: Sonata No 3 en Si menor
El 21 de febrero de 1842 Chopin dio uno de sus últimos recitales, en París. En unión con otros músicos, como todavía era la costumbre: acompañó a un par de amigos, cantante una y el otro cellista, para finalizar con una selección de sus propias piezas. Le quedaban todavía siete años de vida pero su salud mostraba ya claros signos de irremisible deterioro. Dos años más tarde, con gran esfuerzo 
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6 pasos para sacar partido de una reseña de tu álbum
1 Reseña de tu CD + Replanteamiento de la comunicación = Máxima difusión.
Conseguir reseñas musicales de cierta calidad es difícil hoy día. Una vez que te hacen una es difícil también saber cómo sacarle el máximo partido. Como te imaginarás, la base de un potente marketing y relaciones públicas está en cómo te posicionas. Debes poner toda tu buena voluntad y hacer que corra la voz. Aquí tienes una guía de cómo usar una reseña de un álbum para generar un mayor interés.
- Añade la reseña en todos los sitios donde se vende tu música
Pon la reseña en todas partes en que esté disponible tu música para su venta online. Tu website, tu página de ventas de CD Baby, iTunes, Amazon, Google Play, etcétera. Estos son buenos sitios para mostrar tu reseña a fans potenciales que están pensando en comprar, pero no están seguros. Una buena reseña puede tener un gran impacto en la decisión de compra. Algunos estudios han mostrado que los álbumes reseñados en iTunes se venden mucho mejor que otros similares sin reseñas.
- Facebook – ¡Por supuesto!
Hay más de 500 millones de personas en Facebook, ¡y todos ellos deberían enterarse de tu reseña! Afortunadamente, Facebook te ofrece diversas formas que te facilitan llevar tu reseña a un gran número de gente. Sin embargo, recuerda siempre la regla principal de Facebook: todo se basa en la interacción. Haz que todos tus mensajes de Facebook giren en torno a tus fans/amigos. NO: “Miren esta fantástica reseña que han hecho sobre MÍ”. SÍ: “Hola amigos/fans, su apoyo me ayudó a conseguir esta fantástica reseña de mi álbum. Gracias. Lean y disfruten.”
Pasos a dar en Facebook:
- Publica la URL de la reseña en tu muro: esto pone el enlace en el news feed y la página de inicio de cada usuario de Facebook conectado a la página en la que posteas el enlace. Si posteas el link tanto en tu página musical como en tu perfil personal, publícalo a diferentes horas del día.
- Envía una actualización desde tu página musical anunciando la reseña. Incluye la URL a la reseña en la actualización. Las actualizaciones te permiten personalizar quién las recibe por área geográfica, lo que puede ser útil para usar la reseña para promocionar un concierto en una ciudad determinada.
- Haz un vídeo breve (30-45 segundos) hablando a tus fans/amigos de la reseña, dándoles el link y pidiendo que la lean.
- Hazte una foto enseñando la reseña y sonriendo, y postéala en tu muro (¡un poco kitsch pero podría ser divertido!)
- Ponla en tu Blog o Website
Para tu blog: Crea una sección de reseñas en tu blog y postéalas todas allí. Si tienes amigos que tienen blogs y apoyan tu música, pídeles que también reposten la reseña… El vídeo mejora los blogs, así que mira los consejos de la sección “Anúncialo en vídeo” de este documento y publica el vídeo en tu blog.
Para tu website: 1. Pon una cita potente de la reseña en tu página de inicio. 2. Añade un área de prensa en tu website e incluye ahí la reseña completa. 3. Mézclala con citas de fans en la página de citas o testimonios.
- ¡Tuitéala! Comparte tu reseña Twitter
Después de postear la reseña en tu website o en tu blog. Aquí tienes cómo compartirla en Twitter. Ve aquí: http://bit.ly/, crea una cuenta y crea un enlace personalizado bit.ly de tu reseña. Corta y pega y compártelo como tuit en tu stream de Twitter. ¡Voila!
- Mejora tu perfil en Sonicbids
Tener reseñas en tu Sonicbids EPK™ realmente lo hará destacar entre los miles de otros músicos que están ahí rivalizando por los mismos conciertos y festivales que tú, así que postea tu reseña en tu Sonicbids EPK™. Si no quieres poner el artículo entero, escoge algunas frases potentes y publícalas.
- Anúncialo a través de YouTube
Quizá no lo sepas pero YouTube es el segundo buscador con más tráfico, después de Google, y el vídeo es el formato de contenido online más efectivo y la mejor manera de lanzar un mensaje a tus fans/amigos. Tiene también el extra añadido de parecer más personal, porque aparece tu cara, tu voz, tono, inflexiones y movimientos, en vez de solo palabras e imágenes estáticas. A la gente le encanta clicar en esa imagen con el botón de play en el centro, así que ve a buscarlos donde se encuentran y haz que corra la voz sobre tu reseña con un vídeo. El vídeo es además muy fácil de compartir, y eso nos encanta. Aquí tienes algo más sobre cómo anunciar tu reseña vía vídeo:
- Que sea breve. 30-45 segundos como máximo
- Da las gracias al autor de la reseña mencionando su nombre. Menciona el blog si tiene uno.
- Básalo todo en tus fans/amigos, no en ti. Dales las gracias por ser el tipo de gente enrollada que estará tan emocionada con esta reseña como lo estás tú mismo.
- Enseña tu CD a la cámara y asegúrate de que la portada se ve claramente en el plano. Para reducir brillos, saca el CD de la funda y enseña el libreto.
¡BONUS! Merchandising: Añádelo a postales, Flyers, & Posters
Pon una cita potente en tus tarjetas de visitas, posters y postales y en los flyers de tus conciertos. ¡La gente siempre responde a lo que dicen otros más que a lo que dices tú! También puedes añadir una cita a una camiseta o a una pegatina.
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sábado, 25 de febrero de 2017
viernes, 24 de febrero de 2017
Por qué la portada de un álbum es absolutamente crucial para el éxito en 2017
Ver será siempre una parte de escuchar.
Recuerdo haber colgado discos en mis paredes cuando era niño. El diseño de las portadas creaba un pequeño mundo mágico.
Creaba una imagen que combina con cada compás de la música. Los álbumes eran objetos sagrados que yo adoraba.
Pero demos un salto adelante hasta hoy. Cuando todo está online en streaming. Y el diseño de la portada de un álbum se reduce a un pequeño cuadrado digital no mayor que una bola de golf.
Apenas lo suficientemente grande para crear un mundo…
Pero esto no significa que el diseño de la portada sea menos importante. De hecho, es más importantes que nunca cuando se trata de promocionar la música.
El diseño de álbumes aun es creativo. Solo que de forma diferente.
Podría no funcionar de la misma manera que hace 20 años. Pero aun es una forma potente de representación que todo músico debería tener en cuenta.
Por muchas razones…
TODO ES IGUAL QUE LO DEMÁS
Las plataformas como iTunes, Spotify y YouTube son herramientas potentes de streaming.
La razón por la que tanta gente escucha a través de ellas es porque son fáciles de usar. Lo organizan todo de forma simplificada.
Pero el concepto de álbum puede muchas veces resentirse.
Los discos muchas veces se reducen a unas pocas categorías: artista, título de la canción, título del álbum.
Y encima todo se muestra con la misma tipografía, en las mismas filas, y con la misma vista que todos los demás álbumes.
EL ÚNICO ESPACIO QUE ES TUYO
Por esto es por lo que ese pequeño cuadrado que muestra la portada de tu álbum, normalmente en torno al 10% de la página, se ha convertido en algo mucho más importante.
Sitios como SoundCloud o Bandcamp ofrecen más espacio personalizable a los artistas.
Por esto es por lo que aun son la elección obvia para músicos independientes.
Pero en plataformas que hacen que todo se vea igual, el diseño de tu álbum es el único espacio que depende totalmente de ti.
Cuando la música empezó a pasar al mundo online, el álbum aun era el formato de referencia. Es lo que hizo que la tienda de Apple tuviera tanto éxito hace unos años.
Antes de que el streaming se consolidara, era normal para los consumidores de música comprar y descargar álbumes completas (ahhhhh, los viejos tiempos).
Incluso aunque los álbumes fueran fragmentados, movidos, puestos en playlists o reordenados, aun se navegaba por ellos y se compraban de la misma manera que se hacía con un álbum físico. Durante un tiempo, el formato de álbum sencillamente se trasladó al mundo online.
Esos días se han terminado.
LA MUERTE DEL ÁLBUM
El streaming se ha convertido en la nueva norma y el formato de “álbum” continúa su decadencia por ese motivo.
Para probarlo, basta que mires a Apple. El lanzamiento reciente de su plataforma de streaming Apple Music muestra el estado de la industria musical actual.
También marca un enorme cambio del modelo de “descarga de álbum” que iTunes hizo tan popular.
Incluso se ha rumoreado que iTunes podría estar preparándose para cancelar completamente las descargas de música y centrarse en la plataforma de streaming Apple Music, un rumor que Apple ha negado.
Pero da igual cuáles sean los planes para iTunes, está claro que el streaming es el futuro.
¿Qué significa el streaming para el álbum? Y, más específicamente, ¿para el diseño gráfico de los álbumes?
EL EFECTO PLAYLIST
El mayor efecto del streaming sobre el álbum ha sido a causa del crecimiento de las playlists.
En estos días, los algoritmos sugieren mucha música a los oyentes. Es la forma en que la mayoría de música se consume.
Los álbumes ya rara vez se escuchan de principio a fin. En vez de eso, las canciones individuales se extraen del contexto del álbum y se añaden a playlists de reproducción automática.
Si a alguien le gusta una canción de una playlist, la portada del álbum se convierte en el primer paso para el oyente si desea profundizar más. Es la imagen lo que conduce al nuevo descubrimiento.
El diseño del álbum es el puente entre que guste una única canción y saber más sobre un álbum, banda o productor.
La portada permanece como un espacio vital para llamar la atención, contextualizar una canción o contar la historia de todo un álbum.
Es la imagen lo que guía a la gente adecuada hasta tu música y convierte la escucha pasiva en activa. Eso significa convertir oyentes casuales en superfans.
LA PORTADA DEL ÁLBUM VENDE. ¿PERO QUIÉN COMPRA?
¿Adivinas qué más ocurre cuando alguien se convierte en superfan? Compra tu disco.
Un reciente estudio de Nielsen sobre el gasto en música muestra que solo el 14% de los consumidores de música son superfans o verdaderos aficionados.
Pero estos aficionados a la música suponen nada menos que un 34% del total del dinero que se gasta en música.
Así que los nuevos fans que han clicado en la portada de tu álbum están mucho más inclinados a comprar tu música.
Y esto no se limita al formato digital. También se aplica a publicaciones físicas.
HAGAMOS LANZAMIENTOS… FÍSICOS
Las publicaciones en formato físico están experimentando un gran resurgir en popularidad en presencia del streaming.
Toma el ejemplo del vinilo: En 2015 se vendieron más de 9.2 millones de discos de vinilo en los U.S. Esto es un incremento de un 52% desde 2014.
¿Por qué un incremento tan enorme? En gran parte tiene que ver con el diseño del álbum y los valores físicos, como objeto, de los álbumes.
Nik Pollinger, antropólogo digital y consultor especializado en el comportamiento del consumidor habló recientemente a la revista TIME de la importancia del álbum físico:
“Lo que mostramos en público se usa para enviar señales sociales sobre nuestra identidad. Hacer visibles nuestros gustos musicales ha representado históricamente un importante rol en ello para mucha gente. Poseer una colección de vinilos restablece esta capacidad”.
EN CADA PASO QUE DAS
La portada del álbum te representa. Está presente en cada uno de los pasos que llevan del oyente causal al superfan.
El streaming no ha acabado con la necesidad de tener una portada de álbum. La ha hecho más importante.
El diseño del álbum no es simplemente una imagen en la portada de tu disco. Es parte de tu marca online.
La música siempre será la representación definitiva de tu proyecto. Eso es obvio.
Pero aun hay un elemento visual en el streaming que es crucial para el éxito. La portada de tu disco ocupa ese lugar.
317 mil millones de canciones se reprodujeron en streaming en 2015. Eso significa que las portadas de los discos también se mostraron 317 mil millones de veces.
Cuando la música se pasó al entorno online, muchas cosas se vieron afectadas. Como el orden de las canciones y la calidad de los discos. Pero la única cosa que se ha hecho más importante es la portada del álbum.
Es el compañero que permaneces junto a tu música a donde quiera que va.
Y la imagen que aun es capaz de crear un mundo.
[Este artículo apareció originalmente en el blog de LANDR. Fue escrito por Scott Parsons, un entusiasta a tiempo completo de la música y jugador de pinball semiprofesional. Scott es el editor de LANDR. Masteriza tus canciones al instante con las herramientas automatizadas de LANDR desde tu cuenta de CD Baby. Escucha los resultados y compara tus canciones antes de pagar por los archivos masterizados.]
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¿Buscabas sonidos del espacio para tu música? ESA te deja usar sus contenidos mediante Creative Commons
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Ritmos cruzados o polirritmos: primeros pasos
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miércoles, 22 de febrero de 2017
Apple patenta una tecnología que podría desactivar la capacidad de tu teléfono para grabar o fotografiar un concierto en directo
Según un artículo aparecido en Pitchfork:
“… la tecnología permite a una cámara detectar no solo la luz visible, sino también la lectura de los infrarrojos. En algunos casos, el dispositivo podría usar la lectura de los infrarrojos para mostrar al usuario una información relativa a un objeto cercano, tal como sucede en una exposición en un museo. En otros casos, el dispositivo podría usar la lectura de los infrarrojos para desactivar las funciones de grabación del mismo. A modo de ejemplo, la patente incluye la ilustración de una banda actuando sobre el escenario mientras la pantalla de una cámara muestra el texto “GRABACIÓN DESACTIVADA.”
Y en este punto es cuando me pregunto: ¿todavía se preocupa alguien (incluidos los artistas famosos y los sellos multinacionales) de proteger sus derechos de autor de un modo tal? Lo último que yo había oído era que un montón de megaestrellas pop estaban animando a sus fans a capturar y compatir MÁS vídeos/fotos de sus espectáculos.
¿Qué opinas tú?
¿Suponen los smartphones en los conciertos una amenaza potencial para los derechos de autor de los artistas? ¿Te cabrearía que tu teléfono de repente no pudiera tomar una foto cuando estás viendo a tu banda favorita? ¿O piensas que Apple utilizará esta tecnología de un modo completamente diferente y que aquí estamos siguiendo una pista falsa?
Házmelo saber más abajo en los comentarios.
… es el Editor del blog de CD Baby DIY Musician. Escribo canciones indie-pop de inspiración Beatles que han sido elogiadas por No Depression, KCRW, The LA Times, y otros. Mis poemas han aparecido en Poetry Magazine, Prairie Schooner, The Poetry Review, y algunos sitios más. Vivo en Maine y me gustan las galletas chip de mantequilla de cacahuete y chocolate, un poquito demasiado.
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Composición musical: diez trucos eficaces para ayudarte a terminar más canciones
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Asegura tu plaza en MatrixBrute Demo Tour | BCN, SanSe, MAD | 21, 22 y 23 de Febrero 2017
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Native Instruments Kontakt 5.6.6 vuelve con el código de colores para su teclado
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martes, 21 de febrero de 2017
Los sitios de CD Baby están operando normalmente de nuevo: te pedimos disculpas por la interrupción
Tres cosas importantes a respecto de lo que sucedió:
- Toda tu información permanece completamente segura e intacta.
- No hubo interferencia externa (no fuimos hackeados).
- Habrá un pequeño retraso en los pagos de esta semana, pero todas las ventas/reproducciones en streaming generadas en nuestras plataformas asociadas durante esta interrupción serán reportadas y contabilizadas.
Quiero ofrecerte una sincera disculpa por esta inesperada interrupción de nuestros servicios, y quiero que sepas que siempre hacemos todo lo posible para proveer el mejor servicio a ti y a nuestros demás clientes. Si quieres conocer con mayor detalle lo que sucedió, por favor sigue leyendo.
Detalles acerca de la interrupción temporal de los servicios de CD Baby
Creemos en que la transparencia es importante para la comunidad de artistas independientes a la que tenemos el gusto de brindar nuestros servicios, y para ser completamente sinceros, me daré la oportunidad de explicar a detalle lo que sucedió y provocó que nuestro servicio fuera parcialmente interrumpido:
En la tarde del jueves, 16 de febrero, pusimos nuestra página en pausa para llevar a cabo el proceso regular y calendarizado de mantenimiento para nuestra plataforma. Durante este proceso, nuestra base de datos se sufrió algunas alteraciones, y el proceso de restauración a la base de datos inicial no funcionó. Como puedes imaginar, una base de datos que da servicio a 500,000 clientes alrededor del mundo y que administra más de siete millones de canciones es bastante grande, y el proceso de restauración de base de datos de emergencia tomó mucho más tiempo del que esperábamos. Debido a que no podíamos procesar los datos, tanto nuestra página de venta como de miembros de CD Baby permanecieron fuera de servicio durante esta emergencia.
Ahora estamos seguros de que nuestra base de datos (que incluye toda la información de tu cuenta) ha sido restaurada en un cien por ciento, y estamos felices de comunicarte que estamos de vuelta operando con toda normalidad para seguir brindándote el mejor servicio posible. Por supuesto, si ya estabas distribuyendo tu música con nosotros, tu música siempre estuvo disponible en los sitios de nuestros socios (Spotify, Deezer, etc.) generando dinero todo este tiempo. Si tus fonogramas fueron lanzados a distribución digital vía CD Baby antes o después de este problema, tus lanzamientos y las ganancias que te hayan generado no se verán afectadas por este tema, debido a que todas las ventas y reproducciones que ocurrieron durante este tiempo se te pagarán de manera normal.
Lamentamos los inconvenientes. Estamos trabajando para asegurar que esto no vuelva a suceder.
Tú, los artistas, y los sellos discográficos a quienes ofrecemos nuestros servicios, son la sangre de nuestra comunidad. Tenemos un excelente equipo y múltiples recursos dedicados a ayudarlos a ustedes y a su música. Adicional a los 40 especialistas en servicio al cliente con los que contamos y con quienes puedes hablar (tanto en español, como en inglés y portugués), tenemos también un equipo técnico de 30 personas y 10 personas más dedicadas a la operatividad digital y funcionamiento de CD Baby para asegurarnos de brindarles el mejor servicio posible a nuestros clientes.
Seguiremos haciendo todo lo posible para seguir mejorando para ustedes y que nunca más vuelva a existir una interrupción de esta magnitud en nuestros servicios.
Sinceramente,
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Blocs Wave y Launchpad se hacen amiguitos -exporta tus ideas musicales
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lunes, 20 de febrero de 2017
Así Se Hace, válvulas de vacío
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FM_SK, más de 150 sonidos FM gratis de baja fidelidad, procesados por Seaweed Factory
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UVS-3200, síntesis analógica para el ROMpler gratuito UVI Workstation
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domingo, 19 de febrero de 2017
Sintetizador analógico total – elige tu máquina
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sábado, 18 de febrero de 2017
Profesionalismo en la Industria Musical
Quizás algunas personas no se tomen muy en serio tu profesión. Pero una de esas personas no debe de ser a) ni una persona de tu equipo ni b) tú.
Si alguna vez estás dando menos que el 100% de tu calidad en alguna tarea que respecta a tu profesión como músico, debes de hacer un par de cosas. La primera es desacelerar, y la segunda es hacerse consciente de las consecuencias positivas que puede generar su trabajo.
Cuando vamos muy rápido en una moto y no estamos concentrados podemos cometer imprudencias que nos cuesten muy caras. Lo mismo sucede en el trabajo. Si no nos estamos tomando el tiempo para concentrarnos y hacer todo con una calidad destacada, es probable que cometamos errores, que en el peor de los casos podrían arruinar su prestigio y su carrera musical.
No se trata de ser fatalista, pero es importante estar consciente de que la calidad en el trabajo de un médico, por ejemplo, es tan importante como la calidad en el trabajo de un músico, lo mismo el tiempo de estudio y el compromiso detrás del trabajo. Cada profesionista en su area de especialidad puede generar grandes beneficios o grandes perjuicios para la sociedad.
No siempre es fácil tomarse en serio la carrera de músico independiente si partimos de una estructura laboral creativa, bohemia y poco o nada ordinaria, sin embargo es importante encontrar estructura en la “aparente” desestructura que puede existir en el proceso creativo y/o operativo de un músico. Pero los rituales indispensables para un trabajo de mejora constante siempre se deben de tomarse en serio, y buscar que las personas que nos rodean los comprendan, y comprendan la importancia de los procesos, de lo contrario estos procesos pueden ser interrumpidos constantemente, y cada vez que sean interrumpidos será una experiencia muy desagradable tanto para el que interrumpe como para quien se deja interrumpir.
Fumar, beber, cantar/tocar cuando sea que te lo pidan sin previo calentamiento, son actividades agradables que pueden exponer su integridad como profesionales de la industria musical, y es importante saber cuándo si y cuándo no hacerlo. La salud es indispensable en un cuerpo que bien trabajado puede convertirse en un producto/servicio a la hora de estar parado en un escenario frente a miles de personas que esperan recibir un espectáculo de calidad.
La persona detrás de la guitarra, el micrófono o la batería es un profesional, y debe saber cuándo sale del trabajo y puede relajarse y ser una persona “ordinaria” y cuándo debe de procurar estar concentrado en ser un profesional de la industria musical. La familia, los amigos, y las personas cercanas siempre deben de tener la oportunidad de tener en casa a una persona que lejos de ser ese “rockstar” que todos ven, es simple y sencillamente una persona, un ser humano con el que pueden contar, a quien pueden querer y admirar porque cocina bien, y por mil otros motivos que por su éxito (o falta de éxito) profesional. Cualquier profesionista sabe que es importante saber quitarse el uniforme, quitarse los guantes y estar consciente de que no es lo mismo Mick Jagger en el escenario que Mick Jagger en su habitación bebiendo un té con su mujer. Uno es un producto, el otro una persona. Siempre hay que saber diferenciar.
Esto me lleva a comentar acerca de la importancia de la humildad en la profesión del músico profesional. Es fácil “perder el suelo”, “subirse a un ladrillo o a una azotea y marearse”, pero el músico que forja un carácter de integridad sabe mantener un estilo, y entender que la prepotencia y la soberbia llevan a cualquier profesional por un camino laboral en el que puede tener éxito, pero no siempre respeto. El respeto a las demás personas de un equipo, a los fans, a uno mismo, siempre lleva a ser consciente del otro, y en la consciencia de la “otredad”, siempre encontraremos el valor del respeto, ingrediente importante para fomentar buenas relaciones personales dentro y fuera del ámbito laboral.
Ser profesional es una actitud más y, por supuesto, el respaldo que da la práctica profesional. Entre más camino recorramos, y entre más trabajo de calidad generemos, esto se irá sumando en la memoria de colegas, clientes y otras personas que son testigo de nuestro trabajo y esfuerzo. Si mantenemos la cabeza fría y el corazón caliente, encontraremos siempre la inspiración para salir adelante, y la capacidad intelectual para resolver y direccionar nuestros esfuerzos estratégicamente, para recorrer los caminos que nos lleven a donde queremos llegar.
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viernes, 17 de febrero de 2017
10 cosas que puedes hacer para maximizar las ventas y reproducciones de tu nuevo lanzamiento
Como músicos, sabemos que hay una ingente cantidad de trabajo por hacer cuando publicas tu música. Necesitas que se distribuya, se promocione, se comercialice, se escuche, y que genere dinero para ti. Con todos métodos en que la música se descubre, se escucha, se comparte y se compra hoy día, aquí tienes 10 técnicas que puedes usar para maximizar ventas e ingresos. Poniéndolas en práctica, puedes optimizar la forma en que los oyentes usan las plataformas de venta digital y de streaming.
Cuando crees y pienses en tu nuevo lanzamiento, prueba esto:
- Haz una versión de una canción conocida
La mayoría de los oyentes de los servicios de streaming o los clientes de las tiendas digitales usan la herramienta de búsqueda para encontrar música que les gusta. Apóyate en esto grabando un cover de una canción conocida. Esto puede aumentar tus ventas, ya que la gente muchas veces escucha diferentes canciones de las canciones que están buscando, y, si les gusta, a menudo escuchan más música de ese artista. No olvides que si decides grabar una versión necesitarás conseguir los derechos del editor o a través de servicios como EasySongLicensing y Loudr, con los que colabora CD Baby o de Harry Fox Agency. Y ahora puedes incluso obtener licencias para sencillos a través de CD Baby.
- Usa títulos de canciones conocidas
Si no es tu estilo grabar covers, otro método para sacar partido de la forma en que los oyentes usan la función de búsqueda en tiendas digitales y servicios de streaming es darle a tu canción un título similar al de una canción conocida o una frase común. Los títulos de canciones no se pueden registrar, por lo que puedes llamar legítimamente a tu canción “Hello” o “Uptown Funk” si tiene sentido. De esta forma aparecerá en búsquedas y será descubierta.
Nuestra banda, Beatnik Turtle, dio con este sistema de forma totalmente accidental. Compusimos una canción titulada “I Don’t Want To Work Today” y la publicamos a través de CD Baby en 2008. Unos años después nos dimos cuenta de que las ventas de la canción estaban subiendo y se convirtió en la canción más vendida de nuestro catálogo. Tardamos un tiempo, pero descubrimos una canción dance popular en las listas de Europa. Nuestra canción aparecía inesperadamente en las búsquedas que la gente hacía de la canción dance y por el camino subió nuestras ventas y nos proporcionó algunos fans.
- Crea una portada impactante
En los servicios de streaming, a menudo la gente escucha con la vista. Navegar por un servicio de streaming o una tienda digital es tanto una experiencia musical como sonora. Una imagen impactante puede llamar la atención de la gente y hacerles clicar para escuchar tu canción. Si creas una imagen o un diseño que destaca entre las otras imágenes de la página, mejorarás tus oportunidades de que tu música sea descubierta, escuchada o comprada.
- Envía a los clientes a tiendas de música que ya conocen
Aunque puedes ganar más vendiendo una canción o un álbum directamente desde tu website, en realidad ganarás globalmente más dinero enviando a la gente a tiendas de música online en las que pueden hacer compras en un clic. Una de las mayores barreras de las ventas online es el momento en que alguien se ve obligado a sacar su tarjeta de crédito para teclear su número, dirección y otros detalles de pago en una nueva tienda. Inmediatamente aparece un freno. Es demasiado trabajo, especialmente para un artículo de impulso o de bajo precio, como una canción o un álbum. Además, pueden desconfiar de dar los datos de pago si nunca han comprado antes ahí.
Aunque también deberías usar métodos y tiendas que te dan mayor porcentaje, asegúrate de que ofreces a los compradores enlaces directos a tiendas como iTunes o Amazon, donde probablemente ya tienen su información de pago archivada y la compra está a un solo clic de distancia. Siempre puedes listar tiendas digitales que te dan más margen (como la tienda de CD Baby), pero listar tiendas populares primero tiende a generar más ventas finalizadas.
- Usa bien las palabras clave en las descripciones de tu álbum/canción
Saca el máximo partido de tus descripciones de álbum/canción usando palabras clave familiares para los clientes. Menciona siempre el estilo de música que haces y tu descripción musical si ayuda a explicar tu música (“una locura rockabilly hip-hop”, “modern vintage”, “geek rock potente”). Si además la plataforma te permite añadir información adicional, incluye una lista de otros artistas conocidos a los que te pareces para aprovecharte de su notoriedad. Finalmente, si hay palabras clave, temas, o letras de tu canción que se refieren a una causa benéfica o política, o un asunto al que tu base de fans reacciona, añádelo a la descripción. Eso podría provocar una escucha o una venta.
- Usa siempre “enlaces de afiliados” para obtener un porcentaje extra
No te limites a enlazar directamente a tus canciones y discos. Haciendo esto dejas dinero por recoger. En vez de eso pon “enlaces de afiliados” a las tiendas. Puedes hacerlos apuntándote a los programas de ventas de afiliados que plataformas de música digital como iTunes y Amazon han puesto en marcha para animar las ventas. Una vez solicitas la afiliación, estos servicios te proporcionan enlaces especiales de afiliado para tus canciones y álbumes. Usa estos enlaces y descarta los enlaces normales, directos. Obtendrás un porcentaje extra de la venta además de lo que ya obtienes cuando envías a gente a estas tiendas.
Hay otra ventaja: usando enlaces de afiliados, estos servicios te darán un porcentaje sobre cualquier cosa que el visitante termine comprando en su tienda. Así, esto significa que si compran tu canción y ese ordenador último modelo que están deseando, tendrás un porcentaje de la compra total. Además, una vez eres un afiliado, puedes crear enlaces de afiliado al equipo que usas o a otros medios sobre los que postees o tuitees. Pero una advertencia: hay una fina línea que separa a alguien que no quiere quedarse sin ganar ese porcentaje extra de un embaucador. Nuestro consejos es que seas honesto cuando decidas usar links de afiliado para artículos más allá de tu música o tu equipo.
- Usa citas positivas de la prensa y medios, y agrega reseñas o testimonios de fans
La gente aun descubre música gracias al boca a boca, y esto incluye lo que leen en la prensa o escuchan en los medios. Si tienes reseñas positivas de terceros, utilízalas. Añade citas de las reseñas a tus descripciones musicales, websites, y, siempre que sea posible, en las tiendas digitales y servicios de streaming. Enlaza al artículo y compártelo en redes sociales. Hollywood ha hecho esto durante décadas para hacer que la gente acuda a ver sus estrenos.
Anima también a tus fans a postear reseñas. Esto puede tener mucha influencia, así que pide a tus superfans que posteen reseñas para tener material en este apartado.
- Lanza una campaña para “ser escuchado” y captar nuevos oyentes
Una vez que tu música está disponible, a la venta o en streaming, consigue que tu música suene en los lugares en que la gente escucha y descubre nueva música. El tipo de sitios en que pueden escucharte es muy diverso. Estas categorías incluyen: blogs MP3, podcasts, radio en streaming, playlists sociales, redes sociales, YouTube, webs de noticias y entretenimiento, incontables webs musicales (y no musicales), y mucho más. Además, está la radio convencional, incluyendo las emisoras universitarias y públicas.
Una reproducción puede llevar a que otras plataformas descubran tu música, así que cuando tengas éxito en un sitio, dirígete a otros canales y diles dónde estás sonando para avalar tu presencia en medios y redes. Esto incrementa tus posibilidades de sonar también en ese canal. Y cuando esto suceda, apóyate en ello para intentar sonar también en otros sitios.
- Entra en las playlists en streaming
Las plataformas de streaming son redes sociales centradas en la música y en las playlists. Por ejemplo, Spotify permite a cualquiera hacer playlists y algunas son increíblemente populares. Busca las playlists más populares que encajan con tu música y contacta al curador para que añada tu canción. Si te agregan a una de esas listas, ayudarás a que tu música sea descubierta por nuevos fans, a la vez que generas más reproducciones y más pagos. Esto puede resultar, de entrada, en una cantidad de dinero pequeña, pero las playlists raramente desaparecen (especialmente las más populares), por lo que las reproducciones se van sumando a lo largo del tiempo, ya que las canciones tienden a permanecer en la playlist.
- Promociona tu música a través de vídeo
YouTube es la herramienta de búsqueda musical más potente, y hay una buena razón para ello: los vídeos permiten a la gente catar tu música gratis y compartirla con otros. Pero eso no significa que no puedas monetizarla. Los visionados pueden crear ingresos, dado que YouTube gana dinero con la publicidad, por lo que deberías explorar el servicio de YouTube Content ID y ver si puedes optar a convertirte un Partner de YouTube o usar un servicio de monetización en YouTube como el de CD Baby.
Si tienes un vídeoclip, ¡no des gratis la canción! La canción ya está gratis desde el momento en que el oyente siempre puede reproducir otra vez el vídeo. En vez de eso, pon un enlace en la descripción para que puedan comprar la música. También deberías poner un enlace como nota/hotspot/tarjeta en el vídeo. Para subir más tus ventas, incluye un pre-roll o un post-roll en el vídeo. Esto hace que el audio del vídeo sea diferente de lo que obtendrían si comprasen la canción en una tienda digital, dado que es muy fácil ripear y bajarse el audio de un vídeo de YouTube. Esto ofrece un incentivo para comprar la canción.
Maximizar las ventas con estas diez técnicas es una combinación de marketing y esfuerzo continuo. Por esto, te conviene capitalizar cualquier pequeño éxito como reseñas, entrevistas o reproducciones de canciones y usar estas diez bazas para ampliar tus oportunidades. Cada pequeño éxito te da una base mayor para promocionar tu música mientras generas ingresos.
¿Qué estrategias usas para potenciar los ingresos de tus nuevos lanzamientos? Cuéntanoslo en los comentarios.
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Tchaikovsky, Primera Sinfonía "Sueños de invierno"
La Sinfonía núm. 1 en sol menor, op. 13, de Piotr Ilich Tchaikovsky es conocida también con el sobrenombre de Sueños de invierno. El hermano del compositor, Modesto, afirmó que esta obra le costó más trabajo y sufrimientos que cualquier otra. Sin embargo, Tchaikovsky mantuvo siempre un gran afecto hacia ella. Admitió a un amigo años después de componerla: "A pesar de sus evidentes defectos, le tengo una tierna estima." También en el año 1883 escribió a Nadezhda von Meck "aunque desde muchos puntos de vista es muy inmadura, tiene más sustancia y es mejor que muchas de las obras que he escrito después".
El biógrafo de Tchaikovsky, John Warrack, dice a propósito de esta Sinfonía: "Aquí, a pesar de que aún no había desarrollado la extremadamente personal solución [a la forma sinfónica] que caracteriza con grandeza las tres últimas sinfonías, Tchaikovsky produce una obra que es convencional en la forma pero ya muy colorida con su individualidad.
GÉNESIS DE LA SINFONÍA
Tchaikovsky se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo a los 25 años. Por recomendación de su profesor Antón Rubinstein se trasladó en 1866 al nuevo Conservatorio de Moscú, donde obtuvo la cátedra de Armonía y, al mismo tiempo se convirtió en estudiante del director del Conservatorio, Nikolái Rubinstein, hermano de Anton.
Comenzó a trabajar en su sinfonía en marzo del mismo año El progreso era lento, posiblemente por falta de tiempo, a lo cual se sumó una profunda depresión causada por las críticas sobre su Cantata escrita como ejercicio de graduación en el Conservatorio. Su maestro Nikolai Rubinstein se negó a interpretarla, calificándola de herética, y César Cui (del Grupo de los Cinco) hizo de ella un comentario devastador.
Un cambio de aires, durante las vacaciones de verano en compañia de su familia, mejoró su estado de ánimo. Pero Tchaikovsky continuaba trabajando día y noche en su obra, lo que le condujo al extremo del agotamiento físico y mental. Finalmente su familia llamó a un médico quién declaró que el paciente se encontraba al borde de la locura y ordenó completo reposo.
No obstante la falta de progreso, cuando volvió a San Petersburgo a finales de agosto, Tchaikovsky solicitó la opinión de sus maestros, Anton Rubinstein y Nikolai Zaremba, sobre el trabajo ya avanzado. Ambos expresaron una opinión negativa. Más aún, rehusaron considerar interpretar parte de la sinfonía al concierto de San Petersburgo de la Sociedad Musical Rusa (SMR), como Tchaikovsky deseaba.
Tanto Anton Rubinstein como Nikolai Zaremba mostraban simpatía hacia la música alemana y de gusto conservador. Opuesto a las tendencias visionarias del Grupo de los Cinco, Rubinstein y sus seguidores eran refractarios, e incluso hostiles, hacia las nuevas corrientes musicales. Por el contrario, Rubinstein intentaba preservar en su propia producción todo lo que consideraba el mejor de la tradición occidental del pasado inmediato.
A pesar de no ser demasiado activo como compositor, Nikolai Zaremba no era una excepción a esta regla. Idolatraba Beethoven, particularmente las últimas obras, pero sus gustos personales no habían progresado más allá de Mendelssohn. Si cualquiera le hubiera preguntado sobre Hector Berlioz, Robert Schumann-o, más cercano geográficamente, Mijail Glinka-, Zaremba probablemente habría reconocido no saber nada.
Tchaikovsky concluyó la sinfonía -incluyendo todas las modificaciones sugeridas por Rubinstein y Zaremba- antes de las vacaciones de Navidad del Conservatorio y durante las mismas sometió de nuevo la partitura a sus profesores. Aunque todavía ambos desaprobaban la sinfonía en conjunto, esta vez admitieron el adagio y el scherzo como "apropiados para ser interpretados." Estos dos movimientos se tocaron en un concierto de la SMR en San Petersburgo, el 23 de febrero de 1867, sin ningún éxito.
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| El Conservatorio de Moscú, con la estatua de Tchaikovsky |
De nuevo en Moscú, el hermano de Anton, Nikolai, se mostró más positivo respecto de la sinfonía y no tuvo ningún problema en interpretarla fragmentariamente.Tchaikovsky, a regañadientes, permitió a Rubinstein dirigir el scherzo en un concierto de la SMR el 22 de diciembre. Tras el fracaso de San Petersburgo, Tchaikovsky empezó a mostrarse más abierto a un estreno en Moscú, el cual tuvo efecto el 15 de febrero de 1868 dirigiendo Nikolai Rubinstein, a quien fue dedicada la obra. Esta vez la acogida fue entusiástica, pero sorprendentemente, la sinfonía debería esperar quince años en ser interpretada de nuevo. El compositor, muy exigente y crítico con su propio trabajo, efectuó cortes y revisiones varias hasta la versión final que se interpretó en Moscú el 1 de diciembre de 1883 bajo la batuta de Max Erdmannsdörfer.
ANÁLISIS DE LA OBRA
Durante las vacaciones de verano de 1866 en compañía de su familia, cuando las tardes se dedicaban a la música, Tchaikovsky interpretaba al piano invariablemente sinfonías de Mendelssohn y Schumann. Warrack señala la influencia de estos compositores en la capacidad de expresar en forma sinfónica una experiencia emocional ante un paisaje romántico.
Junto a estas influencias, el escritor ruso Daniel Zhitomirski explica que "el tema, el género y la entonación" de la escritura de Tchaikovsky están estrechamente ligados a la vida y el folclore ruso. "Warrack destaca como las terceras obsesivas de la música folclórica rusa impregnan las melodías de Tchaikovsky; y a veces frecuente el intervalo de la elidida cuarta, coloreando [sic] intensamente la invención melódica de sus primeras sinfonías y actuando como evocación emocional más que implicando la progresión armónica ".
El escritor Herbert Weinstock, en su biografía de Tchaikovsky, no tuvo problemas en calificar la primera sinfonía de obra fallida, pero sus razones para manifestar esta opinión pueden, en cierto aspecto, considerarse acertadas. Weinstock escribe, "La causa del fracaso de la sinfonía fue la desconcertante batalla que tuvo que librar para su composición: Tchaikovsky no podía componer a la vez una sinfonía que respetara los límites formales de las sinfonías precedentes - complaciendo así a Anton Rubinstein - y que contuviera la música que él sentía interiormente y que quería expresar ".
Esto no significa que Tchaikovsky fuera completamente incapaz de trabajar dentro de los límites formales. Por el contrario, Brown admite que aunque sus aptitudes naturales para pensar en términos del procedimiento sinfónico orgánico pudieran ser limitadas, las francas confesiones sobre estas dificultades que hizo al final de su carrera, fueron admitidas demasiado fácilmente como etiqueta de su obra entera. A pesar de sus intentos de ser franco, el compositor no se hizo justicia a sí mismo.
Brown también destaca que la primera sinfonía fue un punto de inflexión muy importante en un sentido. Hasta su composición, Tchaikovsky se había contentado a actuar como un competente artesano, adaptando su música como mejor podía a los modelos convencionales. Con Sueños de invierno, expresó que si tenía que crecer y desarrollarse como compositor original, debería trabajar, puede decirse, "alrededor de las reglas," para encontrar sus propias soluciones. Sus victorias pueden haber sido a veces difíciles de ganar - y, a medida que maduró, cada vez menos duras - pero, en cualquier caso fueron victorias.
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| La casa donde vivió y compuso Tchaikovsky |
Warrack se apoya en la opinión del último discípulo de Tchaikovsky, el compositor Sergei Taneyev para explicar este problema: Una melodía es algo completo en sí mismo, que no es susceptible de desarrollo musical. Puede ser repetida y modificada por alguien, que como Tchaikovsky, tenía la habilidad de mantener el interés, la tensión y la satisfacción durante largos intervalos. Poco más que esto puede hacerse.
Como señala Brown, lo que hizo Tchaikovsky es adaptar la forma sonata y la estructura sinfónica para hacerlas más compatibles con el tipo de música que él estaba capacitado para crear. Haciendo esto, muestra a menudo una impresionante riqueza de recursos, incluso en esta sinfonía. "Los compases iniciales del primer movimiento nos demuestran lo suficiente para barrer la vieja y caduca leyenda que Tchaikovsky estaba desprovisto de cualquier aptitud sinfónica".
Warrack añade que en Sueños de invierno se encuentran ya algunas huellas del estilo de madurez del compositor. Una es el realmente encantador vals que reemplaza la sección del trío en el scherzo. También se encuentran ornamentaciones con escalas ejecutadas por las maderas, algunos rasgos armónicos, la aparición de una experta técnica orquestal que permite una mayor variedad musical, y el recurso a la repetición de melodías en lugar del desarrollo de una célula musical, que permitiría generar una verdadera energía sinfónica. En resumen, tanto los defectos estilísticos de Tchaikovsky como sus virtudes ya están presentes. Además, concluye, aunque el mismo Tchaikovsky deploró los defectos, "también acertó en seguir encontrando placer en la juvenil frescura y encanto de la obra".
La duración de la sinfonía es de unos cuarenta y cinco minutos y se compone de cuatro movimientos:
Primer movimiento (Allegro tranquillo; Sueños de un viaje de invierno), describe un viaje entre la nieve de las grandes extensiones rusas, donde las noches son tranquilas y reflejan la luz de las estrellas. El tema de la música está lleno de misterio y emoción.
Segundo movimiento (Adagio cantabile ma non troppo, tierra desolada, una tierra de la niebla) sugiere el lado sombrío del paisaje cuyo tema es la música de una canción en la que la viola y violines, junto con el oboe continúa en un lamento que nos lleva a un mundo de cuentos de hadas, como el que se describe más adelante en el ballet.
Tercer movimiento (Allegro scherzando giocoso.): Sin subtítulo, recuerda uno de los maestros del vals; se puede imaginar a los patinadores que se encuentran haciendo malabarismos con sus patines en medio del hielo. Esta obra fue adaptada de un trabajo anterior, Sonata para piano en Do sostenido menor, que fue publicada en una fecha posterior.
Cuarto movimiento (Finale: Andante lúgubre. Allegro Maestoso): concluye la sinfonía, y refleja los motivos procedentes del folclore ruso y, en particular, el tema de una canción Rusia, La flor de los jardines.
Información obtenida en Wikipedia.
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jueves, 16 de febrero de 2017
El ingeniero jefe Tatsuya Takahashi abandona Korg
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miércoles, 15 de febrero de 2017
Ayer VS Hoy: así ha evolucionado el software musical que usamos y amamos
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¿Cuándo “Lo Bastante Bueno” Es Lo Bastante Bueno?
Si estás componiendo o en el proceso de grabación, las herramientas de que disponen hoy en día los músicos pueden abrirte un nuevo mundo de posibilidades. Pero las aparentemente ilimitadas opciones pueden venir a convertirse en una especie de ansiedad relacionada con la finalización que te puede provocar terror a acometer algo que en realidad ya está HECHO.
¿Haces apaños y modificaciones sin parar? ¿Te descubres a ti mismo diciendo “Ya decidiré más tarde” tras realizar 25 tomas de voz diferentes? ¿Alternas mezclas hasta que tienes la versión acústica, la versión exuberante, la versión dance, y te es imposible decidir cuál incluir en el álbum? ¿Estás buscando una suerte de Santo Grial sónico?
Como artistas, rápidamente comprendemos que el arte que hacemos rara vez llegará a ser tan bello, tan importante, tan cautivador, tan grande como la idea inicial que estimuló la creación. No queremos volvernos locos embarcándonos en una búsqueda absurda, en persecución de cada la letra, de cada textura, de cada frase hasta introducirnos en un agujero negro del cual la canción jamás regresará. Pero tampoco queremos ser unos meros artesanos, tan indiferentes a nuestro trabajo creativo como para que cada canción parezca más gobernada por la técnica que por la pasión. ¿Cómo puedes saber cuándo algo es “lo bastante bueno”? ¿Recuerdas cuánto tiempo le llevó a Axl terminar ‘Chinese democracy’? En su caso “lo bastante bueno” probablemente fue mucho más preferible que la perfección.
Aquí tienes unas pocas maneras que he encontrado para ayudarme a manejar esta ansiedad relacionada con la finalización:
1) Sé prolífico. Tener siempre por ahí un puñado de canciones a medio hacer me ayuda a no sentir demasiada presión por acabar rápidamente alguna de ellas. No me estreso por tener que conseguir que una canción sea perfecta desde un principio. De este modo puedo trabajar en una parte, una frase, o una letra de cualquier canción que en ese momento yo sienta que lo pide. Además, en el momento en que empieces de verdad a grabar, tendrás más canciones de las que necesitas y podrás escoger tus favoritas del lote.
2) Entra en un estudio. Entiendo que este es un coste prohibitivo para algunos y creativamente restrictivo para otros. Pero a mí siempre ha parecido funcionarme. Puedo ser bastante rápido y eficiente en un estudio si he llevado a cabo la preparación suficiente y pensado en algunas de las ideas de producción por anticipado. Además, estar gastando dinero por el simple hecho de estar ahí hace que las cosas se centren. El otro beneficio de esta estrategia, en lo que a organizar el tiempo se refiere, es que probablemente le pedirás a tu banda al completo (o a los músicos de sesión) que se reserven unos cuantos días en sus agendas. Haz la música a toda pastilla en una semana, en dos semanas, como quiera que sea. Pero líbrate a ti mismo de la insensatez de hacerla esta semana un día, dentro de un tiempo otro, y así hasta dispersar las jornadas a lo largo de todo un año.
3) Fija los parámetros antes de pulsar la tecla de grabar. Ten una visión clara de lo que quieres, no un vago sentido de horizontes sin fin. Inventa reglas arbitrarias para que guíen el proceso del tipo “Voy a dejar que en cada canción se toquen solo 4 instrumentos.” “Este álbum no tendrá coros.” “En este álbum cada canción puede tener o cuerdas o vientos, no ambas cosas.” “Todo, excepto las voces, se tocará en directo y por los mismos músicos.” Con esto evitarás dejarte arrastrar. Siempre puedes cambiar de forma de pensar si de verdad NECESITAS añadir esa gaita extra tan especial en la tercera estrofa.
4) Considera la grabación el inicio de tu siguiente ciclo promocional. Sé que esto suena un poco… estratégico. Pero no te preocupes demasiado por ser tan puro. De un modo u otro vas a tener la misma cantidad de diversión o frustración grabando tu álbum. Pero pensar en el álbum como en algo que finalmente deber ser lanzado al mundo también enfocará tus esfuerzos en la grabación. En junio debe estar hecha la selección de canciones. En agosto debe estar mezclado. En septiembre, masterizado. El diseño de portada tiene que estar en septiembre. Enviado de vuelta para la fabricación de las copias en diciembre. Los materiales de promo han de estar preparados en enero. Las reseñas del álbum lloviendo a cántaros en marzo, para coincidir con el inicio de nuestra gira nacional. Etc. La grabación da inicio a este proceso, y tu compromiso con una estrategia de promoción te conducirá a la finalización del álbum.
5) Escucha las opiniones de quienes os comprenden a ti y a tu música. Puedes sentirte avergonzado de un solo de guitarra chapucero y querer por ello pulirlo. Alguien a quien respetas puede decirte “¡Demonios, no! No toques nada. Esta toma es cruda y visceral y asombrosa. ¡Déjala como está! Si tú mismo eres tu crítico más severo, recluta unos oídos externos. Tal vez te dirán que deberías dar por terminado tu trabajo en ese punto. Ya es lo bastante bueno.
Nos encantaría escuchar lo que piensas acerca de cuándo hay que dejar tranquilo lo que ya es lo bastante bueno y de cómo permanecer centrado y eficiente durante el proceso creativo sin sacrificar la inspiración. Siéntete libre de dejar tus comentarios más abajo.
… es el Editor del blog de CD Baby DIY Musician. Escribo canciones indie-pop de inspiración Beatles que han sido elogiadas por No Depression, KCRW, The LA Times, y otros. Mis poemas han aparecido en Poetry Magazine, Prairie Schooner, The Poetry Review, y algunos sitios más. Vivo en Maine y me gustan las galletas chip de mantequilla de cacahuete y chocolate, un poquito demasiado.
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martes, 14 de febrero de 2017
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